ARTISTAS

Karmento, artista folclórica de La Mancha, comenzó su carrera en 2012 al mudarse a Malta, donde inició la composición de su primer álbum Mudanzas. Su proyección creció con Este devenir (2020), un disco clave del neofolclore español que fue ampliamente reconocido como uno de los mejores de Música de Raíz del año. Su gira sumó más de 130 conciertos, y su participación en el Benidorm Fest 2023 con Quiero y duelo la llevó a ser finalista gracias al apoyo del público, logrando además dos nominaciones a los Premios MIN y el título de Hija Predilecta de Castilla-La Mancha. 

En 2024, Karmento lanzó La Serrana, su último trabajo, que ha recibido excelentes críticas y nuevas nominaciones a los Premios MIN por su sencillo Fangos. Este álbum, compuesto por diez canciones, marca una evolución hacia un folclore más vanguardista. Inspirada por las mujeres de su pueblo y su identidad serrana, la artista ofrece un viaje emocional que explora la vida y la memoria de su origen, consolidándose como una figura clave en la renovación del folclore español. 

Xurxo Fernandes, artista coruñés, es una figura destacada en el ámbito de la etnografía y las músicas de raíz. Desde los 14 años inició un profundo trabajo de campo en las aldeas gallegas, investigando la tradición oral y las percusiones de mano transmitidas por las “pandeireteiras”. Este viaje se expandió más tarde hacia países del antiguo Imperio Otomano, permitiéndole desarrollar una visión única que conecta la tradición gallega con la oriental sefardí, lengua que domina y utiliza en su labor artística. 

Como músico, lidera proyectos como ‘Radio Cos’, con dos álbumes publicados, y ‘Pandeireteiras Sen Fronteiros’, un colectivo que fusiona ritmos gallegos con tradiciones de otros países. Además, ha desarrollado iniciativas como ‘Jako el Muzikante’, inspirado en los cafés amán de los años 20, y ‘Levaino!’, donde une su herencia gallega y oriental. Su trayectoria combina investigación, docencia y creación, consolidándolo como un innovador de la música tradicional gallega. 

Nacido en 1976, Aleix Tobías se formó en batería en la Escola de Música de Badalona y el Taller de Músics de Barcelona, estudiando con David Xirgu, Àlex Ventura y Tito Busquets. También amplió su formación en percusión con Ernest Martínez y Enildo Rasúa, complementando sus estudios con estancias en África Occidental y Turquía. Como intérprete, es miembro fundador de Tactequeté y Coetus, además de colaborar con artistas y formaciones como Misirli Ahmed, Eliseo Parra, Las Migas, Silvia Pérez Cruz, Erkan Irmak, Carles Dènia, La Fura dels Baus, Refree, Kepa Junkera, La Shica y muchos otros. Su trayectoria lo ha llevado a actuar en escenarios internacionales como The Royal Festival Hall, The Opera House de El Cairo y festivales de renombre como Flamenco de Ciutat Vella de Barcelona y Encontres de Percussió.

IO (Inteligencia Orgánica) Karen Lugo, Momi Maiga, Aleix Tobías, Guillem Aguilar, Itamar Doari y Carles Dénia se juntan para mostrarnos su forma de vivir y compartir la música. Cada uno es un referente en su estilo y aporta lo mejor de sus raíces y experiencias, creando un grupo lleno de diversidad y riqueza musical.
El flamenco, el folklore español y la música mandinka son el punto de encuentro que une sus caminos. Estas tradiciones no solo sirven de inspiración, sino que se mezclan de manera natural, dando lugar a un diálogo musical lleno de emoción. La improvisación es clave en este proyecto. Cada artista aporta su personalidad y su talento, creando un juego musical donde todo puede pasar. Esta conexión entre ellos y sus diferentes influencias transforma cada interpretación en algo único, celebrando la amistad y la magia de la música en directo.

Bailaora mexicana reconocida por su fusión de tradición e innovación, ha participado en festivales internacionales y estrenado espectáculos como Flamencura y ‘Flamenco Frequencies’ con giras por Oriente Medio y EE. UU. Ha sido galardonada en varios concursos de coreografía y ha trabajado con artistas como Javier Latorre y José Maldonado. Su último espectáculo, ‘Golpe de Tierra’, fue nominado a los Premis de la Crítica d’Arts Escèniques. Actualmente, colabora en proyectos como ‘Caminos’ de Juan Gómez Chicuelo y también trabaja en videoarte.

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Momi Maiga es un músico, compositor y cantante senegalés, proveniente de la reconocida familia de músicos Cissokho. Desde los seis años, la kora ha sido su gran pasión, conectándole con la rica tradición Mandé. Su música fusiona diversos géneros y refleja su herencia cultural. A través de cada acorde y palabra, busca transmitir su pasión por la música y emocionar al público con su estilo único y su presencia en el escenario. 

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Guillem Aguilar es un bajista versátil y licenciado en Jazz y Música Moderna por la Escuela Superior de Música de Cataluña. Ha colaborado con artistas como Jackson Browne, Jorge Drexler, Sílvia Pérez Cruz y Trilok Gurtu, y actualmente toca con Aziza Brahim, Coetus, La Shica, entre otros. Su pasión por diversos géneros lo ha llevado a tocar instrumentos como el gimbri, la mandola y el contrabajo. Además, ha trabajado como productor musical y creador en proyectos de teatro, circo y danza. Ha participado en numerosas grabaciones y enseña bajo y combos en varias escuelas de música de Cataluña. 

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Itamar Doari es un percusionista, productor y compositor internacionalmente reconocido. Con más de 20 años de experiencia, ha trabajado con artistas como Avishai Cohen, Yasmin Levy, Concha Buika y Johnny Greenwood. Nacido en Galilea, Israel, Doari comenzó su carrera influenciado por las tradiciones musicales de su entorno y sus viajes por Oriente Medio, España, India y Senegal. Su estilo único fusiona diversas tradiciones rítmicas, utilizando instrumentos como el dohola, darbuka, cajón y frame drums. Es considerado uno de los percusionistas más innovadores de la música contemporánea. 

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Carles Dénia es un músico, cantaor de Canto Valenciano y flamenco, guitarrista y compositor. Criado en una familia de músicos, comenzó en grupos de rock y blues antes de estudiar jazz en La Haya, donde también se formó como cantaor. Se especializó en el canto valenciano y en 2009 fundó ‘Carles Dénia i la Nova Rimaire’, con el que ganó premios importantes como los Ovidi Montllor. A lo largo de su carrera ha trabajado en proyectos destacados como ‘La vida breve’ de Manuel de Falla y ‘Cant Espiritual’ (2018), basado en los versos de Ausiàs March. En 2023, su disco Mussol, basado en textos contemporáneos, recibió el premio al mejor disco de canción de autor en los Premios Carles Santos.

IO (Inteligencia Orgánica): Karen Lugo, Momi Maiga, Aleix Tobías, Guillem Aguilar, Itamar Doari y Carles Dénia se juntan para mostrarnos su forma de vivir y compartir la música. Cada uno es un referente en su estilo y aporta lo mejor de sus raíces y experiencias, creando un grupo lleno de diversidad y riqueza musical. El flamenco, el folklore español y la música mandinka son el punto de encuentro que une sus caminos. Estas tradiciones no solo sirven de inspiración, sino que se mezclan de manera natural, dando lugar a un diálogo musical lleno de emoción. La improvisación es clave en este proyecto. Cada artista aporta su personalidad y su talento, creando un juego musical donde todo puede pasar. Esta conexión entre ellos y sus diferentes influencias transforma cada interpretación en algo único, celebrando la amistad y la magia de la música en directo. 

Irene Atienza ha estado ligada a la música desde niña. Estudió piano en el conservatorio, pero pronto descubrió su verdadera pasión: el canto. A los quince años formó su primera banda y, aunque estudió Comunicación Audiovisual y trabajó en radio y televisión, terminó apostando por la música. A los 26 años creó un proyecto junto a un amigo brasileño en Barcelona, y años después esa banda la llevó a Brasil, donde encontró nuevas oportunidades. Hoy, presenta su primer álbum original, Salitre, el reflejo de su trayectoria y su evolución artística. 

Casapalma es un grupo musical comprometido con la recuperación de la canción montañesa y la reivindicación del folklore cántabro, destacando las coplas más representativas de esta tradición. Con su habilidad para combinar pasado y futuro, han logrado posicionarse como referentes en la renovación de las músicas de raíz. Su álbum debut Montañesas, editado por el sello RASO y reconocido como el mejor disco del primer trimestre de 2024 por la lista LIMÚR, pone en valor un folklore ibérico que a menudo ha sido relegado. A través de su música, Casapalma recodifica y transforma estas tradiciones, actualizándolas con un enfoque innovador mientras conserva la esencia y el alma de su rica identidad cultural. 

Yoel Molina es músico, productor y docente. Licenciado en Guitarra Jazz por Musikene y con un máster en el Conservatorio de Ámsterdam, también cuenta con un Máster en Educación por la Universidad Internacional de Valencia. Desde los 18 años ha combinado la docencia con su carrera como guitarrista, ampliando su formación en centros de referencia en Europa. En 2020 se adentró en la producción musical, trabajando en sus propios proyectos y colaborando con otros artistas. Además, ofrece mentoría creativa y musical, ayudando a sus alumnos a desarrollar y publicar su música. Actualmente reside en una aldea de Cantabria, donde investiga el folclore local y explora la fusión entre tradición y modernidad en sus proyectos. También realiza mezclas online, profundizando en su pasión por el sonido y la producción.

Casapalma es un grupo musical comprometido con la recuperación de la canción montañesa y la reivindicación del folklore cántabro, destacando las coplas más representativas de esta tradición. Con su habilidad para combinar pasado y futuro, han logrado posicionarse como referentes en la renovación de las músicas de raíz. Su álbum debut Montañesas, editado por el sello RASO y reconocido como el mejor disco del primer trimestre de 2024 por la lista LIMÚR, pone en valor un folklore ibérico que a menudo ha sido relegado. A través de su música, Casapalma recodifica y transforma estas tradiciones, actualizándolas con un enfoque innovador mientras conserva la esencia y el alma de su rica identidad cultural. 

Mayalde es un grupo salmantino formado por Eusebio, Pilar, y sus hijos Arturo y Laura, que lleva casi cuatro décadas dedicado a preservar la música tradicional de una manera única. Su propuesta se basa en transformar objetos cotidianos como cucharas, cazuelas, escobas o morteros, en instrumentos musicales, recuperando al mismo tiempo las canciones, los relatos y los ritmos que han sido transmitidos de generación en generación y que forman parte de la memoria colectiva. 

Con 13 discos publicados, su trabajo más reciente N’CA MAYALDE refleja a la perfección la esencia del grupo. Este álbum captura su autenticidad, su conexión con el público y su manera de acercar el folklore a las nuevas generaciones sin perder la profundidad de sus raíces. En cada concierto, Mayalde logra crear una experiencia inolvidable invitando al público a participar activamente. Su música no solo conserva el patrimonio cultural, sino que lo reinventa con un enfoque cercano, convirtiendo cada actuación en una celebración del folklore más puro y esencial. 

Mayalde es un grupo salmantino formado por Eusebio, Pilar, y sus hijos Arturo y Laura, que lleva casi cuatro décadas dedicado a preservar la música tradicional de una manera única. Su propuesta se basa en transformar objetos cotidianos como cucharas, cazuelas, escobas o morteros, en instrumentos musicales, recuperando al mismo tiempo las canciones, los relatos y los ritmos que han sido transmitidos de generación en generación y que forman parte de la memoria colectiva. 

Con 13 discos publicados, su trabajo más reciente N’CA MAYALDE refleja a la perfección la esencia del grupo. Este álbum captura su autenticidad, su conexión con el público y su manera de acercar el folklore a las nuevas generaciones sin perder la profundidad de sus raíces. En cada concierto, Mayalde logra crear una experiencia inolvidable invitando al público a participar activamente. Su música no solo conserva el patrimonio cultural, sino que lo reinventa con un enfoque cercano, convirtiendo cada actuación en una celebración del folklore más puro y esencial. 

Mayalde es un grupo salmantino formado por Eusebio, Pilar, y sus hijos Arturo y Laura, que lleva casi cuatro décadas dedicado a preservar la música tradicional de una manera única. Su propuesta se basa en transformar objetos cotidianos como cucharas, cazuelas, escobas o morteros, en instrumentos musicales, recuperando al mismo tiempo las canciones, los relatos y los ritmos que han sido transmitidos de generación en generación y que forman parte de la memoria colectiva. 

Con 13 discos publicados, su trabajo más reciente N’CA MAYALDE refleja a la perfección la esencia del grupo. Este álbum captura su autenticidad, su conexión con el público y su manera de acercar el folklore a las nuevas generaciones sin perder la profundidad de sus raíces. En cada concierto, Mayalde logra crear una experiencia inolvidable invitando al público a participar activamente. Su música no solo conserva el patrimonio cultural, sino que lo reinventa con un enfoque cercano, convirtiendo cada actuación en una celebración del folklore más puro y esencial. 

Mayalde es un grupo salmantino formado por Eusebio, Pilar, y sus hijos Arturo y Laura, que lleva casi cuatro décadas dedicado a preservar la música tradicional de una manera única. Su propuesta se basa en transformar objetos cotidianos como cucharas, cazuelas, escobas o morteros, en instrumentos musicales, recuperando al mismo tiempo las canciones, los relatos y los ritmos que han sido transmitidos de generación en generación y que forman parte de la memoria colectiva. 

Con 13 discos publicados, su trabajo más reciente N’CA MAYALDE refleja a la perfección la esencia del grupo. Este álbum captura su autenticidad, su conexión con el público y su manera de acercar el folklore a las nuevas generaciones sin perder la profundidad de sus raíces. En cada concierto, Mayalde logra crear una experiencia inolvidable invitando al público a participar activamente. Su música no solo conserva el patrimonio cultural, sino que lo reinventa con un enfoque cercano, convirtiendo cada actuación en una celebración del folklore más puro y esencial. 

Miguel Guinea Díaz es músico, divulgador y educador. Especializado en pedagogía musical, estudió Magisterio Musical en la Universidad de Granada y completó un Máster en Interpretación e Investigación Musical en la Universidad Internacional de Valencia (VIU), además de formarse en Psicología Gestalt en Sevilla en 2014. 

Desde 2006, investiga las posibilidades pedagógicas de los cotidiáfonos junto a la VIU, profundizando en este campo con el proyecto Vibra-Tó. Ha colaborado con instituciones como el Teatro Real, Casa da Música de Oporto y la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, además de participar en La Aventura del Saber de La2. Actualmente, trabaja como educador musical para el Ministerio de Educación en el exterior. 

Como músico, ganó el primer premio del concurso Sevilla Joven en la categoría de flamenco fusión con Al-Mansour, representando a Andalucía en la Bienal Internacional de Jóvenes Creadores en Atenas (2003). También obtuvo el primer premio en el Concurso de Música Étnica de FIMEC (Cádiz, 2004). 

Joaquín Sánchez Gil es un músico, divulgador y educador apasionado por la exploración de nuevas sonoridades e instrumentos. Domina clarinetes, armónicas, flautas y tubos en general, combinando influencias del flamenco, las músicas de Europa del Este y estilos orientales. 

Es maestro de Música por la Universidad de Granada y profesor en el Máster de Flamenco de la ESMUC, así como en el Grado Superior de Jazz y Músicas Modernas y el Máster de Flamenco de Música Creativa. Cofundador de Vibra-Tó, lleva años recorriendo el mundo con talleres y conciertos basados en la construcción de instrumentos con materiales reciclados. También colabora con La Aventura del Saber de TVE2. 

Como músico, ha acompañado en gira a Pasión Vega, Javier Ruibal y Rubem Dantas, y ha colaborado con Jorge Pardo en proyectos como Vientos Flamencos II y Historias de Rada y Krishna. Ha grabado para cine, teatro y publicidad, y ha girado internacionalmente con la Barcelona Gipsy Balkan Orchestra (BGKO). 

Lidera proyectos como Hispanistán, de jazz mediterráneo y balcánico, y Zopli2, un dúo de vientos del mundo junto a Clara Gallardo. Además, dirige el Festival de Músicas de Viento “Ventolera” de Montefrío. Su trabajo con Maui Ramírez le valió el Premio UFI al mejor disco de flamenco fusión. 

Ismael Clemente es un artista que combina sus talentos en la música y la literatura para crear una obra rica y diversa. Como cantante y multinstrumentista, Ismael es el vocalista principal de Ursaria, una banda madrileña que se dedica a reinterpretar las músicas populares de Madrid y su provincia. En esta banda, el artista toca varios instrumentos de cuerda, viento y percusión, lo que subraya su versatilidad y dedicación a la música folclórica y tradicional. 

En el escenario, Ismael destaca por su habilidad musical y también por tener una fuerte carga actoral que enriquece sus interpretaciones, ofreciendo una experiencia que emotiva al público. Esta fusión de música y teatro en sus actuaciones en vivo le permite conectar con su audiencia, añadiendo una dimensión narrativa a cada presentación. 

Antes de su actual compromiso con Ursaria, Ismael formó parte de La Bojiganga, otra banda de folk donde también desempeñó roles como cantante e instrumentista hasta el año 2016. Su experiencia en La Bojiganga ayudó a cimentar su carrera y estilo musical, reforzando su amor y dedicación por la música folk y su capacidad de adaptarla a contextos modernos y relevantes. 

Xabier Díaz encontró su camino en la música tradicional gallega en los años 80, influenciado por su abuelo y su paso por grupos como Xacarandaina y Rumbadeira. Tras su etapa en Berrogüetto (2008-2014) y en el proyecto aCadaCanto, su carrera tomó un nuevo rumbo con la creación de Adufeiras de Salitre en 2014.

Esta formación, compuesta por un grupo de mujeres percusionistas y cantareiras, ha sido clave en su evolución artística. Juntos han publicado cuatro discos: The Tambourine Man (2015), Noró (2018), As Catedrais Silenciadas (2020) y Axúdame a sentir (2024). Su sonido, basado en la percusión de mano y las voces tradicionales, ha llevado su música a escenarios de todo el mundo, con cerca de 400 conciertos en ciudades como Buenos Aires, Oslo, Lisboa, Glasgow, Madrid y Londres.

El éxito de sus álbumes en la escena de la World Music ha sido notable, alcanzando con As Catedrais Silenciadas el Top Ten del WMCE durante tres meses, y ganando el Premio Martín Códax en 2020. En la actualidad, Xabier Díaz sigue siendo fiel a su espíritu inquieto a la vez que explora nuevas formas de dar vida a la música tradicional gallega junto a las Adufeiras.

Biel Carbonell es un músico mallorquín, guitarrista del grupo Al-Mayurqa y percusionista de la banda Hato Gató. Apasionado de la cultura tradicional en todas sus formas, se forma en el “Encuentro de Raíz”, donde aprende la esencia de los ritmos de la península ibérica para después profundizar en el canto y danzas tradicionales en talleres con Eliseo Parra, Lucia López y Karen Lugo, entre otros.

Sonia Frías descubrió su pasión por la radio mientras estudiaba Periodismo en la Universidad Complutense de Madrid, y desde entonces ha centrado su trayectoria en la comunicación y la música tradicional. En el año 2000 lanzó ‘Entrelares’, un programa dedicado a la música de raíz que se emite en Radio Círculo, la emisora cultural del Círculo de Bellas Artes de Madrid. 

Con el tiempo, Entrelares se ha consolidado como un referente nacional para la difusión de la música tradicional, principalmente española. Numerosos artistas han pasado por sus micrófonos, y el programa ha cubierto la mayoría de los festivales de música folk y tradicional celebrados en el país. Además, Entrelares se emite en Radio Crónica Folk Musical y formó parte de la programación de M21, la emisora municipal de Madrid. 

Paralelamente, Sonia Frías ha participado en conferencias y presentado festivales relacionados con la música de raíz. También, ha colaborado en revistas especializadas como Batonga!, Ritmos del Mundo e Interfolk, reforzando su compromiso con la visibilización y promoción de este género musical. 

Comienza sus estudios musicales de piano y lenguaje musical en método Willems, y continúa en el conservatorio Ángel Arias de Madrid. Años después, descubre el mundo de la percusión brasileña y latina gracias a Antonio Monedero, formando parte de las agrupaciones Batuseira, Zumbalé y Zumbalé Elektrik Band, como teclista y percusionista.

Desde el año 2003 asiste a clases de canto y percusión ibérica con el maestro Eliseo Parra, profundizando durante años en la música tradicional ibérica y actuando con él en diferentes formatos y espectáculos: Eliseo Parra Quartet, con los espectáculos “Alumbre” e “Hispania Tribal” de la Compañía Ibérica de Danza, Cantar y Batir, Las Piojas en Costura, etc. Ha recibido también formación en percusiones ibéricas y latinoamericanas con Aleix Tobias

Es diplomada en magisterio musical y compagina la docencia en la escuela con actividades relacionadas con el folklore: desde 2021 imparte clases de cantares y percusiones ibéricas en Madrid y El Boalo, continuando la labor pedagógica de Eliseo Parra, y es coordinadora de Folklore del Centro Superior Música Creativa. También ha impartido talleres de música tradicional para profesores y maestros de música.

Ha formado parte de Zagala y en la actualidad pertenece al grupo Collado Project, grupos que renuevan la música de raíz tradicional.

Ha realizado colaboraciones con artistas como la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Dos, La Mare, Fetén Fetén o Rozalén.

Beatriz Peña es una cantante especializada en repertorio de música antigua y tradicional.

Comienza su formación en la Academia Iparraguirre con tres años, y con esa mimsa edad le regalaron su primer disco de Joaquín Díaz y se aficionó a sus cuentos. En esta academia estudia trikitixa y piano. Unos años después, accede al conservatorio Juan Crisóstomo Arriaga en Bilbao, cursando los grados de acordeón y canto.

Posteriormente realiza los estudios de canto clásico en el conservatorio superior de música del País Vasco. En este momento descubre que su vocación está en otro repertorio, en el repertorio que había cantado y escuchado siempre, fuera de las clases: la música tradicional, de modo que realiza el máster de música española e hispanoamericana en la Universidad Complutense y después el máster de investigación e interpretación de música antigua en Esmuc, especializándose en canto histórico. A su vez, estudia zanfona con Germán Díaz.

Ha realizado cursos de música tradicional con Efrén López, Sergio López Santos, Lucía Pulido, Ana Edreira, Alba Chacón, Esther Sánchez, Pedro Bartolomé, entre otros.

En el ámbito de la música antigua y clásica, ha recibido clases de Paloma Gutiérrez del Arroyo, Lambert Climent, Carlos Mena, Monserrat Caballé, entre otros.

Forma parte de Entrebescant, un grupo de música medieval y tradicional, con el que ha tenido la suerte de conocer muchos pueblos de la península y sus gentes, y con el que ha participado en ciclos y festivales como ECOS, Early Music Morella, Música Antigua de Xixón, MusaE, Dinamizartj, Aie en Ruta, Música Antigua y Medieval Alarcos, y en IYAP, dentro del Polyphoniae Festival. Asimismo, tiene un proyecto a dúo llamado Cuévano, con Pablo Cantalapiedra, proyectos pedagógicos y un proyecto en solitario llamado las Resaladas. También forma parte del conjunto Ars Summa, cuyo objetivo es recuperar el patrimonio de la música renacentista española y con el que ha realizado conciertos en el auditorio y la catedral de Cuenca. Ha formado parte de Bachcelona Akkademie, con quien ha cantado en la Sagrada Familia de Barcelona y ha participad en el festival (A)phonica, Música antigua de Xixón y Bachcelona. Durante diez años, ha sido colaboradora del Coro de Ópera de Bilbao.

Ha sido profesora de técnica vocal en varias escuelas y academias privadas y en el centro Saudade de Barcelona, donde impartía clases centradas en folklore gallego. Actualmente es profesora de música tradicional ibérica en el espacio de creación 4’ 33” en El Escorial y en el Máster de Interpretación de Folklore de la Península Ibérica

Carlos Beceiro nace en Narón (A Coruña). Inicia su interés y contacto con la música desde muy joven, tomando clases del gaitero Antón Varela y coincidiendo con el auge del folk. 

En 1982 inicia sus estudios de solfeo, armonía y contrabajo clásico en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Paralelamente, adquiere formación jazzística con el contrabajista norteamericano Dave Thomas. En estos años forma parte como bajista de los grupos de jazz-fussion I.S.P, Lorenzo Azcona Cuarteto y la Big Band de la Escuela de Música Creativa.

Es miembro fundador de La Musgaña, creado en 1987, grupo con el que ha realizado giras y conciertos por todo el mundo: USA, Canadá, Reino Unido, Alemania, Francia, Bélgica, Holanda, Luxemburgo, Itália, Portugal, Eslovenia, Polonia, Serbia, Suecia, Cuba, India, Marruecos, Finlandia, Túnez, México, Grecia, Rusia.

 Desde 1992 colabora con el músico y compositor Luis Delgado en espectáculos como Alquibla, Halilem y Las Tres Culturas.

Compagina la faceta de instrumentista con la enseñanza a partir de 1993, impartiendo clases de bajo eléctrico, guitarra, mandolina y zanfona en distintas escuelas de música. También realiza conciertos didácticos en distintos países.

Ha formado parte de las bandas de Carlos Núñez, Kepa Junkera y participado en espectáculos de Ibérica de Danza o en IL Viaggio di Sigerico, dirigido por Maurizio Martinotti y en el que participaron Jean Blanchard, Paul James y Lucilla Galeazzi, entre otros.

Ha participado en grabaciones y conciertos con músicos como Jesús Auñón, Eliseo Parra, Maurizio Martinotti, Javier Bergia, Carlos Núñez, Luis Delgado, María Salgado, Manuel Luna, Eduardo Laguillo, Os Cempés, Kepa Junkera, Dulce Pontes, Bleizi Ruz, Lorenzo Azcona, Baldo Martínez, Mestisay, Albita, Clara Montes, Cristina Pato, Dimitris Psonis.

Actualmente participa en el proyecto “Evening Star” que une música tradicional de baile de Inglaterra, Irlanda, Francia, Italia y España con sonidos del siglo XXI, la banda está formada por Paul James, Luke Daniels, Patrick Bouffard, Victor Nicholls y Gigi Biolcati.

También en la actualidad forma parte del proyecto The Irish Spanish Connection, una experiencia musical que une al grupo irlandés Buille y a Cormac Breatnach con La Musgaña.

Nace en Burgos en 1976 y comienza sus estudios de música clásica a la temprana edad de 6 años, teniendo como maestro al compositor Alejandro Yagüe. Culminará esta etapa recibiendo clases de mano de la prestigiosa violinista Isabel Vilá, con la que estudiará durante más de 6 años. Pronto comienza a tomar contacto con diversas formaciones musicales de su ciudad (música folk, flamenco, pop, rock, diversos cantautores). 

En el verano de 1996, Diego Galaz se traslada a Madrid. Paralelamente a su formación académica (armonía moderna, guitarra y composición en la escuela musical IMT), empezará a formar parte de distintas bandas madrileñas de diversos estilos musicales. Sus colaboraciones en giras y grabaciones con grupos y solistas son numerosas: Kepa Junkera, Carlos Nuñez, Jorge Drexler, Pedro Guerra, Joaquín Sabina, Ismael Serrano, Revólver, Joaquín Díaz, Celtas Cortos, Pepe de Lucía, M-Clan, Melendi, y un largo etcétera.

Es el director y creador del Festival de Instrumentos Insólitos, único de este género en España, además de haber sido coordinador del ciclo de “Músicas en evolución” en el Museo de la Evolución Humana de Burgos y del festival “Atapercu” en la localidad de Atapuerca. 

Profesor habitual del campamento de violines que organiza el prestigioso músico escocés Alasdair Fraser en España y en California. Ha formado parte de la mítica banda de folk “La Musgaña”, con la que ha viajado por más de 20 países. También pertenece a otras formaciones como el trío “La apasionante música del cine” junto a Cuco Pérez y Luis Delgado o “Fetén Fetén”, junto a Jorge Arribas, formación con la que ha desarrollado actividades didácticas en el Museo del Prado de Madrid. Es miembro fundador de Zoobazar y violinista de la orquesta de Nacho Mastretta.

Su participación como intérprete en diversas bandas sonoras, sintonías de series de televisión, música para diversos museos (Museo de los Castros Celtas o el Pastoril de Oncala), composiciones para teatro, documentales, para campañas publicitarias completan el currículum de este músico burgalés.

Es también coleccionista de Stroviols o “violines trompeta”, de los que posee una extensa colección. También es uno de los pocos intérpretes de serrucho musical de nuestro país.

Eliseo Parra inicia su carrera musical en los años 60 como batería y cantante en grupos de rock. En 1971 compagina los estudios de solfeo y armonía en el Conservatorio Municipal de Barcelona con su actividad en el grupo Mi Generación, que edita ese año un L.P. con canciones propias. A partir de 1976, participa activamente en el movimiento musical jazzístico barcelonés, que gira en torno a la sala Zeleste, tocando con los grupos Blay Tritono y la Rondalla de la costa. En 1979 colabora con María del Mar Bonet en el disco de temas tradicionales mallorquines Saba de Terrer y se integra en el grupo valenciano Al Tall. A finales de los 70 e inicios de los 80 toca con orquestas de salsa, como la Sardineta y La Platería, así como con cantantes como Ovidi Montllor, Gato Pérez, Marina Rossell y Jaume Sisa.

En 1983 se establece en Madrid y comienza a investigar la música tradicional castellana. Funda el grupo Mosaico y graba con él dos discos. El primero de ellos es un homenaje al repertorio del folclorista castellano Agapito Marazuela, y el segundo un disco de composiciones propias de inspiración tradicional.

A partir de 1990, inicia una carrera discográfica en solitario, centrada en la revisión del repertorio tradicional del folclore español desde parámetros musicales contemporáneos, con influencias de las músicas tradicionales de otros países, de la música caribeña, del jazz y del rock. Tiene especial repercusión su disco Tribus Hispanas, con el que obtiene el primer premio en el concurso Villa de Madrid. En él, Parra ofrece composiciones propias inspiradas en las coplas y danzas de la zona central de la península Ibérica. Tras la senda abierta por este disco renovador, siguen otros como Viva quien sabe querer, Premio Radio Ecca al mejor disco del año 2002.

Además de como intérprete, Eliseo Parra ha realizado trabajo etnológico de campo en colaboración con José Manuel Fraile Gil. Fruto de esta colaboración son los libros Romancero tradicional de la provincia de Madrid, Cuentos de la tradición oral madrileña, La poesía infantil en la tradición madrileña y El mayo y sus fiestas en tierras madrileñas. Ha recorrido medio mundo actuando con su magnífica y fiel banda y ha colaborado con gran parte de los grupos de “recreación tradicional” de la Península.

Cabe destacar también su Suite Romance, que estrenó el Ballet Nacional y la Orquesta Sinfónica de Madrid y su trabajo como músico y actor para la Compañía Nacional de Teatro Clásico en la obra de Lope de Vega Peribáñez y el Comendador de Ocaña.

Por último resaltar su labor docente desde hace seis años como profesor de percusión y canto tradicional.

Músico multi-instrumentista especializado en sonidos étnicos y medievales. Titulado superior en Traverso barroco por el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid.

Acude a diversos seminarios y talleres con especialistas nacionales y extranjeros: seminario de flauta travesera de madera impartido por Jean-Michael Veillon en Bretaña; curso de acordeón vasco impartido por Kepa Junkera en La Coruña; seminario de acordeón diatónico en Lyon, Francia; seminario de Kaval (flauta búlgara) en Pamporovo, Bulgaria; clases de clarinete estilo búlgaro y oriental en Madrid con Ivo Hristov.

Es miembro fundador del grupo de música tradicional contemporánea “La Musgaña”, con quien ha grabado doce discos y realizado giras y conciertos durante los últimos 37 años en: Estados Unidos, Canadá, Marruecos, Argelia, Alemania, Italia, Francia, Eslovenia, Irlanda, Hungría, Inglaterra, Serbia, Suecia, India, Finlandia, Túnez, México, Grecia y gran parte de la geografía española.

Lleva más de 30 años haciendo trabajos de investigación, divulgación y puesta en escena de la música tradicional del centro de España (Castilla y León).

 Desarrolla una actividad didáctica como profesor de flautas étnicas en distintos cursos y talleres como Crisol de Cuerda (Burgos) o Arundo Donax (Teruel). Así mismo participa en conciertos divulgativos en colegios, institutos y centros culturales de toda la península.

Actualmente es profesor del Máster en Interpretación de Folklore en la Península Ibérica en el Centro Superior Música Creativa.

Como especialista en música antigua y medieval desarrolla su actividad profesional con Ensemble Musicantes, el Cuarteto de Urueña, el premiado Eduardo Paniagua (con quien participa entre otros en el proyecto de la grabación integral de las
Cantigas de Santa María de Alfonso X El Sabio) y la Compañía de Teatro de Antonio Campos poniendo música en directo a la obra Cid.

Participa asiduamente en las bandas sonoras de películas del compositor Roque Baños, galardonado con varios premios Goya.

 Otros solistas o grupos con los que ha trabajado son: Kroke, Javier Bergia, Joaquín Díaz, Kepa Junkera, María Salgado, Bleizi Ruz, Chenoa, Carlos Núñez, Cormac Breatnach, Alasdair Fraser, Natalie Haas, Luis Paniagua, Javier Paxariño, Manuel Luna, Eliseo Parra…

En 1992 Jorge Arribas inicia sus estudios musicales en el Conservatorio de Valladolid, donde obtiene el título profesional de acordeón y flauta travesera. Alterna su formación clásica con la que va adquiriendo tocando en grupos de música popular, folk, la orquesta de acordeones de Ángel Huidobro y colaboraciones con orquestas de cuerda, banda, etc.

En 2001 ingresa en el Conservatorio Superior de Madrid y en pocos años compaginará la finalización de los estudios de acordeón con Tito Marcos con giras internacionales en bandas referentes de la música folk y rock de la península: La Musgaña y Celtas Cortos.

En 2005 se licencia en la especialidad de Acordeón y sigue formándose rodeándose de músicos a los que admira y sobre todo con los que comparte amistad. Así llegan colaboraciones con Javier Paxariño, Rao Trío, Mastretta, David Herrington, Kroke, Marta Sebastian, La M.O.D.A., etc., y tres proyectos propios: Taper Duel (2005) junto a César Díez, Fetén Fetén (2009) junto a Diego Galaz y Primitive Grooves (2016) junto a César Díez y Adal Pumarabín, tres lenguajes distintos con composiciones propias en los que tiene puesta su energía creativa actualmente.

En 2019 realiza en master en Musicoterapia y en la actualidad compagina sus tres grupos propios con las colaboraciones en los proyectos de Nacho Mastretta y David Herrington, realizando también grabaciones educativas, participaciones en discos de artistas de distintos géneros, composiciones para teatro / vídeo, conciertos a sólo y conciertos didácticos para colegios y público familiar (El Barco de Martín) y centros de educación especial junto a integrantes de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León

Actualmente es profesor de Acordeón en el título superior de interpretación del Centro Superior Música Creativa y en el Máster de Folklore de la Península Ibérica

Lucía López es una artista multidisciplinar que toma la cultura de raíz como eje principal de comunicación artística. Tras acabar sus estudios de danza española en Valladolid, además de la carrera de coreografía en el CSD María de Ávila, inicia su carrera como intérprete de danza en las compañías Sara Cano, Rajatabla Danza y Colectivo Algazara, compañía de la que es dueña y donde hace la labor de coreógrafa. 

En paralelo a su trabajo como bailarina, forma parte del proyecto musical ‘Delameseta’ donde trabaja como cantante principal. Asimismo, realiza de manera puntual una labor docente impartiendo talleres en escuelas como la EFAD – Estudio De Formación De Arte Y Danza en Granada, y en festivales como WIM, Folkarria, Bolao Folk, o los Encuentros de Raíz. Cada vez más, por lo tanto, la vallisoletana profundiza en el campo de la cultura tradicional a través de la adquisición de conocimientos que trasmite y comparte en los diferentes proyectos en los que participa.

Pablo F. Cantalapiedra es músico y musicólogo con un amplio recorrido en las músicas antiguas y tradicionales ibéricas. Compagina su actividad académica en la UCM con una intensa agenda de conciertos y registros discográficos.

Es la mitad de Cuévano, un proyecto de música tradicional castellana en el que canta, toca percusiones ibéricas, buzuki y flauta de pico. En el ámbito de la música antigua ha participado en grabaciones y conciertos de La Capilla Real de Madrid, Eduardo Paniagua, Entrebescant y Timpanum, entre otros, dentro y fuera de nuestro país.

Víctor Gallego estudió percusión clásica en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, desde pequeño siempre había tenido interés por otros estilos de música más allá del mundo clásico y paralelamente al conservatorio se forma en otros tipos de percusión con profesores como Aleix Tobias, Eliseo Parra, Yshai Afterman, Yuvisney Aguilar, Marcelo Woloski, David Mayoral, entre otros. 

En la actualidad es un percusionista profesional, que participa en giras de conciertos y grabaciones, en una gran variedad de estilos. En el ámbito de la música tradicional ha colaborado con grupos como Pelejebre, Triguiñuelas, Ajayu dúo, Tierra de Castilla, Jorge Moreno y Foedus, Ad Folkitum o Tribu Cendra. También ha colaborado con agrupaciones de música antigua como Entrebescant, Ensemble Musicantes, Spanish Consort o Il Filho d’Oro. En el ámbito de la música clásica ha tocado con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid, la orquesta del Proyecto Zarza del teatro de la Zarzuela de Madrid o la orquesta del festival Touquet International Music Masters, entre otras. También ha participado con grupos de diferentes estilos como Nuria Fergó, Los Morochos, Mamita Papaya o Los Jaleo, entre otros.

En el ámbito docente es profesor de percusión en distintas escuelas de música desde 2012. En 2018 colabora como profesor de marimba con el proyecto Luis de Lion en ciudad de San Juan del Obispo en Guatemala en la actualidad da clases en la escuela municipal “Maestro Alonso” de San Lorenzo del Escorial y desde 2025 es profesor en el master de folk del Centro Superior Música Creativa.

Xosé Lois Romero es un referente indiscutible de la música tradicional gallega. Su trayectoria abarca más de tres décadas como percusionista, acordeonista, compositor, arreglista, divulgador y docente. Formado desde su niñez en el corazón de la música tradicional gallega, Romero ha sido una figura clave en la evolución de este género, combinando su talento con un enfoque contemporáneo.

Desde 1995 es miembro del Grupo Tradicional de la Xunta de Galicia y compositor habitual del Centro Dramático Galego. Paralelamente ha participado en reconocidos proyectos que van desde formaciones puramente tradicionales (Lelia Doura, Luvas Verdes), compañías de danza y teatro (Nova Galega de Danza, Quique Peón Cía., Centro Coreográfico Galego,…), la dirección musical (“Terra de soños” de Fuxan os Ventos), la publicación de material docente (Pel e madeira, Doce polainas enteiras, Galeoke,…), hasta formaciones musicales de muy diversa tipología (Vaamonde, Lamas & Romero, aCadaCanto, AccordTrio, Radio Cos, Azougue, Orquestra Jazz de Galicia,…) y colaboraciones con artistas dentro y fuera de Galicia (C. Tangana, Mercedes Peón, Kepa Junquera, Xabier Díaz, Susana Seivane, Leilía, Fetén Fetén, Eliseo Parra, Coetus, Sondeseu, El Naán, Guadi Galego,…).

Con tres Premios Martín Códax de la Música, Xosé Lois Romero es una figura que representa la perfecta fusión entre tradición y vanguardia, un perfil que enriquece el Máster Oficial en Folk de Música Creativa, donde comparte su profundo conocimiento y pasión por la música gallega con los estudiantes, brindándoles una formación sólida y auténtica.

Su capacidad para transformar la música de raíz en una propuesta fresca y actual, junto con su amplia experiencia, lo convierten en un pilar fundamental en el claustro del máster, donde los estudiantes tienen la oportunidad única de aprender directamente de una de las voces más influyentes de la música folk contemporánea.